Los Mejores Documentales de Arte en la Red

Dicen por ahi que ver documentales sobre artistas es una de las mejores formas de inspirarse. Muchos de los mejores documentales del arte que narran la vida de un artista, nos hacen sentirnos cercanos y representados muchas vece por sus problemas. Hoy en dia podemos encontrar estos documentales de arte en Netflix, Hulu y muchos otros servicios en línea.

Le presentaremos algunos de los que consideramos los mejores documentales de arte en la red.

Los Mejores Documentales de Arte Online

Estamos inundados con tantos servicios de transmisión en estos días que a veces puede ser difícil encontrar un buen documental histórico sobre arte. Por eso hemos tratado de eliminar la paja, y seleccionar los mejores documentales de arte en Netflix, Amazon, Hulu y otros sitios para su disfrute

El Misterio de Picasso (1956) Dirigida por Henri-Georges Clouzot

El cineasta Henri-Georges Clouzot tuvo que usar una nueva estrategia para documentar el lado creativo del artista más grande del siglo XX. Colaboró ​​con el director de fotografía Claude Renoir y ambos usaron lienzos transparentes para filmar las pinturas de Picasso. Picasso crea 20 obras de arte a lo largo de la película, que primero se filmaron en blanco y negro, cada una de las cuales se vuelve cada vez más compleja, comenzando desde los primeros bocetos. Luego el film estalla en colores vivos, mostrando la paleta del artista en todo su esplendor.

Según la aclamada escritora neoyorquina Pauline Kael, una de las películas más emocionantes y alegres jamás realizadas ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1956.

El artista se acerca al caballete como un torero se acerca a un toro. Las obras de arte cobran vida ante nuestros ojos mientras manipula su pincel. El maestro creó 20 obras para la película, desde dibujos humorísticos en blanco y negro, hasta pinturas panorámicas en color que capturan el momento y el misterio de la creatividad.

Este es el tipo de documental histórico cubre todos estos aspectos.

Picasso produjo rápidamente pinturas imaginativas en papel transparente que Clouseau podía filmar desde atrás y capturar su producción en tiempo real. El director cambió a película en color y detuvo la animación cuando el artista decidió pintar al óleo. Casi todas estas obras de arte tuvieron que ser derribadas por contrato cuando se completó la película.

Pintores Pintando (1972) Dirigida por Emil de Antonio

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A veces se acusa a los artistas de expresar sus ideas sobre su trabajo de formas fantásticas, pero este documental de 1972 es sorprendentemente perspicaz. Esto puede haber sido el resultado de que el director Emile de Antonio sea una figura muy conocida en el mundo del arte que conoció a muchos artistas antes de que fueran famosos.

Sea cual sea el motivo, sin duda saca el máximo partido de sus temas, una prestigiosa colección de artistas abstractos y pop que incluye a Jasper Johns, Helen Frankenthaler, Andy Warhol y Willem de Kooning.

Las afirmaciones de Frank Stella sobre la influencia de Samuel Beckett en su trabajo y las afirmaciones de Robert Rauschenberg sobre la dificultad de borrar un dibujo de De Kooning son dos puntos principales de la pelicula.

El director Emil de Antonio lleva a cabo entrevistas en el estudio con los artistas sobre su trabajo en los períodos del expresionismo abstracto, el campo de color, el borde duro y el arte pop.

Dejando el Hogar, Volviendo al Hogar: Un Retrato de Robert Frank (2005) Dirigida por Gerald Fox

Gerald Fox, un realizador de documentales que anteriormente trabajó en proyectos para Mark Quinn, Bill Viola y Brett Easton Ellis, se ha centrado en conocido fotógrafo Robert frank. La mayor parte de la película consiste en entrevistas con el autor, quien se hizo famoso por su novela de 1958. americanos y era un entusiasta de 80 años en ese momento. Mirando su antiguo taller en Bleecker Street en Manhattan, señala: «Los yuppiers también tienen derecho a existir, ¡pero no quiero coexistir con ellos!».

Frank acordó primero permitir que Fox distribuya la película en cines en 2019, retrasando una distribución más amplia por 14 años. Pero unos meses después, Frank murió repentinamente en Nueva Escocia, lejos de los yuppies.

franco lo hizo 40 fotos en 1946, después de un entrenamiento intensivo. Esta colección de imágenes encuadernadas a mano muestra las diversas influencias que absorbió durante sus años de formación, incluidos los reportajes, el modernismo y el estilo Heimat, que celebra la sencillez de la vida rural suiza.

También fue el primero de cuatro álbumes de fotos hechos a mano que hizo durante los siguientes seis años.

Frank emigró a los Estados Unidos en 1947, desilusionado con las restricciones en su Suiza natal. El fue contratado el bazar de Harperel conocido director de arte Alexei Brodovich poco después de su llegada a Nueva York. A pesar de sentirse alentado por las actividades creativas de Brodovitch, Frank se cansó rápidamente del trabajo y la cultura de la revista.

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Alice Neel (2007) Dirigida por Andrew Neel

El director de cine Andrew Neel explora los desafíos que enfrentó su abuela Alice Neel cuando… era una artista rebelde, y madre joven. Neel fotografió sus retratos expresionistas de amigos y compañeros artistas durante el apogeo del arte pop, pero fueron descartados como sentimentales debido a su uso, colores apagados y pesado empaste.

El documental se centra en la vida turbulenta de Alice Neel y el legado de su pasión por la pintura en ese momento.

Alice Neel fue una de las más grandes artistas estadounidenses del siglo XX y una pionera de las mujeres artistas. Creador de bodegones, paisajes e individuos.

El enfoque y el método de Alice Neel eran exclusivos de ella, pero sensibles a los estilos expresionistas de Escandinavia y Europa, así como al arte más pesado dentro de arte español.

Neil se educó en la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia. Se convirtió en una artista con fuertes puntos de vista izquierdistas y un sentido de responsabilidad social. Se unió a Works Progress Administration en la década de 1930 mientras vivía en Greenwich Village, Nueva York, y pintaba paisajes urbanos para ellos.

Louise Bourgeois – Araña, Amante y la Mandarina (2008) Dirigida por Amey Wallach

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Esta película fue realizada por Marion Cajori y Amey Wallach en honor a uno de los artistas más importantes del siglo XX. El increíble trabajo de la artista y la fascinante historia de sus primeros años de vida, que influyeron en muchas de sus obras, se analizan en la película, que se estrenó dos años antes de su muerte en 2010, cuando tenia la edad de 98 años. El film ofrece una visión de su proceso creativo que abarca seis décadas y revela información sobre su vida.

The Woodmans (2010) Dirigida por Scott Willis

Francesca Woodman, sin duda, tenia un increible talento, que le permitio hacer una importante contribución a la fotografía con sus autorretratos. Francesca fallecio terriblemente joven a la edad de 22 años, se suicidó y dejó atrás todo. En la película de 2010, familiares y asociados de la artista discuten su legado, acompañados de una colección de películas, fotografías y extractos del diario personal de Francesca Woodman.

El documental fue destacado en el Festival de Cine de Nueva York, también ganó un Emmy.

Gerhard Richter – Painting (2011) Dirigida por Corinna Belz

En el documental de 2011 «Painting», el artista alemán Gerhard Richter, uno de los artistas más vendidos en la actualidad, cuyas pinturas se venden en subastas en todo el mundo por millones de dólares, comparte algunos de los secretos más íntimos de su trabajo. La película fue dirigida por Corinna Belz.

Examina la carrera de más de 50 años de Richter a través de entrevistas con sus críticos, colaboradores y galeristas y a través de material de archivo excepcional.

Eames: El Arquitecto y la Pintora (2011) Dirigida por Jason Cohn y Bill Jersey

El equipo de Charles y Ray Eames comenzó desde un comienzo humilde, esculpiendo sillas de madera contrachapada en la habitación de invitados de su apartamento de Los Ángeles. Y se volvieron increíblemente importante en la remodelación de Estados Unidos del siglo XX como diseñadores, arquitectos y cineastas. James Franco, es el narrador de la película de Hollywood Eames: arquitecto y artista, el film utiliza imágenes de archivo y entrevistas con personas influyentes para contar su historia.

The New York Times describió la película ganadora del premio Peabody como «rica en tematicas, información, historias y personas, organizada con una gracia frenética».

Las sillas icónicas diseñadas por Charles y Ray Eames cambiaron la forma en que pensamos sobre los muebles modernos, pero ese fue solo un aspecto de su creación. Eran diseñadores, directores y diseñadores textiles. Todavía no estaríamos hablando de ellos hoy si limitaran su trabajo a solo una de estas categorías.

Pero difundieron ampliamente sus habilidades y se convirtieron en dos de los mejores diseñadores del siglo XX.

Después de estudiar arquitectura durante dos años en la Universidad de Washington, se fueron para iniciar su propio estudio de arquitectura.

Ai Weiwei: Never Sorry (2012) Dirigida por Alison Kleiman

«Nunca arrepentirse,» un documental de 2012 disponible en Netflix, explora la vida y obra del notorio disidente chino Ai Weiwei de 2008 a 2010. El artista ha planeado su exposición en la Haus der Kunst de Munich en septiembre de 2009 para su instalación de porcelana cerámica de 100 millones de dólares en la Tate Modern. Durante este período, podemos ver a agentes del gobierno chino acosando a Ai Weiwei en un café público  antes de su arresto en 2011.

Alison Kleiman, una directora estadounidense, estaba detrás de la cámara.

Marina Abramovic: La Artista está Presente (2012) Dirigida por Matthew Akers

«Quiero ser una forma de arte legítima antes de morir», bromea la artista serbia a un camarógrafo en un momento de esta película. Pero la expresión de sus ojos muestra que habla completamente en serio. Las cámaras siguen a Abramovich mientras se prepara para su exposición individual de 2010, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que será su apoteosis profesional.

Sin comida ni agua, la artista pasó siete horas y media todos los días durante tres meses mirando a los ojos a un visitante que estaba sentado frente a ella en una silla de madera.

El director de la película, Matthew Akers, busca responder a la pregunta de cómo identificamos el arte tejiendo la historia de cómo Abramovich pasó de estar loco a ser aclamado como la madre del arte escénico.

Desde sus primeros trabajos en Belgrado, ha sido ridiculizada y tildada de egoísta y masoquista (los artistas de performance eran blancos fáciles), pero ahora no. Con grandes exhibiciones y colaboraciones famosas (Lady Gaga una vez tuvo una sesión secreta con Abramovich, donde la cantante no comió ni habló durante cuatro días y fue obligada a salir del bosque atada, amordazada y desnuda), Abramovich es una celebridad en el mundo del arte, que han amasado reconocimiento y fortuna.

Ella afirma: “No creé arte para esto. Hago arte porque creo que es importante’.

National Gallery (2014) Dirigida por Frederick Wiseman

Con 2.400 pinturas del siglo XIII a finales del XIX, la National Gallery de Londres es uno de los museos más importantes del mundo. Entre las obras de arte, se exhiben casi todas las experiencias humanas. El metraje de la película incluye miembros del público que visitan varias galerías, programas educativos, académicos, investigadores y curadores que investigan, renuevan y organizan exposiciones.

Exploró cómo se conectan la narración y el arte.

En este documental de 3 horas, la cámara captura los detalles más pequeños de la vida del museo, incluidos los maestros que enseñan a los niños, los limpiadores que pulen los pisos de las galerías, los curadores que procesan las obras de arte y las visitas privadas obligatorias.

Como resultado, hay muchos pensamientos sobre el arte y las personas que lo miran.

Peggy Guggenheim: Adicta al Arte (2015) Dirigida por Lisa Immordino Vreeland

En los veranos de 1978 y 1979, Jacqueline Weld entrevistó a Peggy Guggenheim para su biografía. Desafortunadamente, las cintas se perdieron y nadie las escuchó. Años más tarde, cuando Lisa Immordino Vreeland quiso hacer una película sobre el Guggenheim, nunca pensó que los encontraría.

Las grabaciones forman la base de este conmovedor documental.

Se centra en cómo los historiadores ven a Guggenheim: a menudo se la acusa de que los tipos con los que salía, como Rothko, Motherwell y Pollock, le dictaran sus preferencias. A pesar del apoyo de consultores experimentados, la colección Guggenheim se inspiró en su respuesta emocional al arte. Adquirió cosas que adoraba, fascinaba o evocaba. Guggenheim tiene un corazón bohemio y queria compartir su colección con el mundo como un proyecto creativo.

Guggenheim aprendió rápido y progresó en las exposiciones que produjo en sus muchas galerías.

Escalera al Cielo: El arte de Cai Guo-Qiang (2016) Dirigida por Kevin McDonald

Cai Guo-Qiang es un artista mejor conocido por su uso de pólvora, que enciende en lienzos para crear diseños quemados, creando exhibiciones pirotécnicas, especialmente vistas durante los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Beijing.

En esta película de Kevin McDonald, un artista observa cómo construye su evento más impresionante hasta el momento: una escalera de 500 metros que flota en el cielo nocturno y está iluminada por fuegos artificiales. Creada para conmemorar el centenario del nacimiento de la abuela de Tsai, la obra representa a un artista de renombre con un fuerte sentido del lugar.

Boom for Real: La Adolescencia de Jean-Michel Basquiat
(2017) Dirigida por Sarah Miller Driver

Después de ver artículos de una bóveda de un banco que contenía el arte de Basquiat, Sarah Driver, decidió hacer una película sobre la escena artística en Nueva York a fines de la década de 1970.

En una entrevista de 2018, recordó: «Entendí todo lo que tenía y pensaba, esto no es solo un vistazo de él, sino un portal a Nueva York en ese período de tiempo».

El video de Driver narra los años cruciales en los que Basquiat pasó de ser un joven artista de graffiti en apuros a una futura estrella del arte al combinar material antiguo con nuevas entrevistas. Jim Jarmusch, cineasta, y Kenny Scharf, artista, hablan sobre sus primeras experiencias.

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