Arte del Performance | Lo que Necesitas Saber

 

El arte de la performance adquirió su nombre en la década de 1970 y representó un cambio en el mundo del arte al permitir la participación del cuerpo del artista en las obras finales. Sin embargo, las primeras formas de performance artística se remontan a las corrientes de los futuristas, surrealistas y dadaístas en la década de 1910. Este artículo explorará el surgimiento y evolución de la performance art a través de preguntas como «¿Qué es el arte de la performance?» y «¿Es considerado un verdadero arte?». También veremos ejemplos de performance art, los diferentes tipos de performance art y las obras de artistas reconocidos en esta disciplina.

Arte del performance o arte performatico

El término «arte de performance» se atribuye al arte que involucra el cuerpo del artista o de otros colaboradores en acción en vivo o grabada. A menudo no hay salida física (una obra que podamos palpar) más que la documentación de la acción que tuvo lugar. Esta forma de arte no tradicional permitió a los artistas trabajar con la experiencia de la vida y la impermanencia en su trabajo.

Pero, ¿qué impulsó a los artistas a crear esta “nueva” forma de arte y cómo se ha desarrollado desde que se reconoció como estilo artístico en la década de 1970? En esta sección del artículo, veremos la historia de las artes escénicas.

 

La historia y el auge de las artes escénicas

El ser humano ha utilizado su cuerpo como medio de expresión desde la antigüedad en danzas, obras de teatro y ceremonias rituales. Entonces, ¿qué hizo de la interpretación una forma de arte por derecho propio? Al observar la historia del arte, queda claro que los artistas a menudo han recurrido al arte escénico cuando necesitan dar nueva vida a su trabajo. Esto es evidente en el importante papel que jugó la performance en el arte de vanguardia durante el siglo XX en la definición de nuevas formas de crear.

En este sentido, el surgimiento de las artes escénicas como un movimiento artístico serio comenzó como una protesta contra lo que las poderosas instituciones artísticas».

Espectáculos de vanguardia

Esta “performance” contra las instituciones artísticas es característica de los espectáculos futuristas y surrealistas, así como del cabaret dadaísta. Estos movimientos artisticos surgieron en respuesta a la Primera Guerra Mundial y se burlaban de las ideas materialistas y nacionalistas presentes en ese momento.

En la década de 1910, estas obras de arte de performance (aún no etiquetadas como tales) fueron consideradas muy controvertidas y rechazadas por instituciones artísticas como galerías y museos establecidos.

¿Qué es el arte escénico?Inauguración de la primera exposición dadaísta, Berlín, 5 de junio de 1920. La figura central colgada del techo era la efigie de un oficial alemán con cabeza de cerdo.

Estos espectáculos a menudo se organizaban para abordar temas relacionados con la insatisfacción de los artistas con los estándares del mundo del arte. Por ejemplo, los dadaístas realizaron una pieza performativa que se burlaba de la noción de racionalismo, asociada con movimiento de arte cubista en este momento. A menudo celebradas en teatros y casas particulares, estas exhibiciones expresaron la comprensión de los movimientos artísticos (Dadaísmo, Surrealismo y Futurismo) de lo que es el arte y cómo se diferencia de lo que las instituciones establecidas consideran arte «bueno».

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Estas actuaciones, destinadas a desestabilizar los estándares, preparan el terreno para el futuro.

Arte escénico de posguerra de las décadas de 1950 y 1960

Las siguientes oleadas de artes escénicas se produjeron después de la Segunda Guerra Mundial. Aunque en los últimos años el arte de la performance se ha involucrado en la política de identidad y las especificidades del espacio y ha ofrecido a los artistas un medio directo de interactuar con la realidad social, cuando se hizo más popular a finales de los años 50 y 60, centrándose inicialmente por completo en el cuerpo.

El arte de la performance primero se llamó Body Art. Durante el declive del Modernismo y el Expresionismo Abstracto, los artistas comenzaron a buscar formas de hacer que los productos artísticos fueran aún más abstractos.

Querían desafiar todas las formas normales en que el arte se entendía y se sentía limitado por las formas de arte tradicionales. El aumento de la popularidad de las artes escénicas durante este período marcó un alejamiento de las formas de arte tradicionales hacia una mayor «desmaterialización» del objeto de arte. La bailarina Merce Cunningham y el compositor John Cage fueron catalizadores del arte escénico de la posguerra. Trabajaron en la institución de artes no convencionales, Black Mountain College, y alentaron a sus estudiantes a actuar como parte de su expresión e investigación artística.

Sus trabajos en el Cage Institute y su formación en Nueva York inspiraron a notables artistas como Robert Rauschenberg, George Brecht, Yoko Ono y Allan Kaprow. Estos artistas se unieron para lanzar el movimiento Fluxus y los «happenings», ambos basados ​​en la interpretación. Inspirados en el dadaísmo, los «happenings» tuvieron lugar en todo tipo de lugares atípicos en las décadas de 1950 y 1960.

Esta forma de arte de performance involucraba la participación activa del espectador y se caracterizaba por su naturaleza de improvisación.

Se esperaban algunos aspectos de un “happening”, pero la participación de la audiencia y el espíritu de improvisación del evento pretendían reavivar una conciencia crítica en el espectador y desafiar la idea de que el arte debe ser estático o un objeto fijo. A fines de la década de 1950, muchos artistas europeos se sintieron frustrados con el arte expresionista abstracto apolítico que era ampliamente aceptado y practicado en ese momento. Querían formas de arte que desafiaran las normas y comunicaran la disonancia social, política y económica causada por las guerras.

 

Historia de las artes escénicasGeorgia O’Keeffe fotografiada por Alfred Stieglitz durante un proceso de performance en 1919; 

El arte de la performance y especialmente el movimiento Fluxus les dio eso. Yves Klein es considerado un artista neovanguardista de la posguerra. La mezcla y el cambio de las formas de arte tradicionales y físicas al arte impermanente y basado en el movimiento es clara en este sentido.  Si bien su trabajo siempre se involucró en la pintura, posteriormente enfoco su atención en los movimientos de los sujetos que pintaba. Las acciones de las actrices que pintó, rodando por el suelo dejando huellas de sus cuerpos, se volvieron tan características de su obra como las intensas tonalidades de azul que utilizó.

Las acciones realizadas por los sujetos se volvieron tan importantes, si no más, que el acto de pintar sus cuerpos.

 Otro grupo de actuación famoso llamado «Accionistas vieneses» estaba formado principalmente por cuatro artistas que organizaron actuaciones inquietantes, inquietantes y anti-tabú en Austria después de la Segunda Guerra Mundial.

Sentían que el pueblo austriaco (especialmente los vieneses) sufría de amnesia colectiva después de los horrores de la guerra o había suprimido el papel que había jugado en los terribles actos de los nazis. A través de sus actuaciones, que a menudo involucraban leche, sangre, orina y vísceras untadas o arrojadas sobre la “superficie” del cuerpo, querían confrontar a los espectadores con el pasado y sus responsabilidades.

Sus actuaciones extremas a menudo han resultado en el arresto de los artistas, lo que se suma a su protesta contra la vigilancia del gobierno y la incapacidad de hablar libremente.

En Japón, el primer grupo de actuación que rechazó las formas de arte tradicionales como medio, se llamó Gutai. Utilizaron la pintura, la instalación, los eventos teatrales y la actuación de formas nuevas y enérgicas. Este grupo ahora se considera uno de los grupos culturales más importantes en el Japón de la posguerra, ya que lograron reconocimiento internacional e influyeron en muchos artistas de performance que los siguieron.

Se centraron en el individualismo y aprovecharon las nuevas libertades concedidas a los ciudadanos japoneses después de que el país se convirtiera en democracia. Antes de este momento en el país, la idea del «organismo nacional» fue impulsada por un gobierno autoritario, por lo que una gran motivación y lema de este grupo fue «hacer lo que nadie ha hecho antes».

 

Feminismo y performance de los años 70

En las décadas de 1960 y 1970, el feminismo de la segunda ola influyó fuertemente en las artistas femeninas para que recurrieran a la performance como medio de confrontación. Yoko Ono es un buen ejemplo de artista que usó su cuerpo para resaltar cómo el arte tradicional explotaba y exponía el cuerpo femenino para el consumo de la mirada masculina. En su actuación, cortar piezas (1964), invita al público a desnudar el cuerpo, cómplice del acto de exponer su forma femenina.

Actuaciones como esta se han vuelto más populares y les han dado a las mujeres la oportunidad de crear enfrentamientos enojados sobre sus frustraciones con la injusticia social, económica y política, además de brindarles una plataforma para discutir la sexualidad femenina.

El medio centrado en el cuerpo del arte escénico ha brindado a las mujeres una plataforma para hablar como nunca antes sobre temas como la ira, la lujuria, la tristeza y la autoexpresión.

Ejemplos famosos de arte escénicoMarina Abramović en el programa el artista esta presente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, 2010;

El arte de la performance era tan nuevo que muchas artistas femeninas comenzaron a reclamarlo como una forma de arte exclusivamente femenina, o abandonaron todos los medios tradicionalmente dominados por los hombres para centrarse únicamente en la interpretación y la expresión.

Una vez más, otra guerra llevó el arte escénico al frente del mundo del arte cuando los artistas expresaron su rechazo al imperialismo estadounidense y las agendas políticas relacionadas con la guerra de Vietnam.

Artistas como Chris Burden y Joseph Beuys, quienes crearon obras en la década de 1970, comenzaron a empujar los límites del cuerpo aún más. Su arte era a menudo agotador e implicaba llevar el cuerpo al límite. El término arte de la resistencia se asoció con los artistas que practicaban en ese momento, así como, por ejemplo, la pareja de artistas Marina Abramović y Ulay. El movimiento neoconcreto en América Latina también fue conocido por su arte escénico durante este período.

 

Las artes escénicas de los años 80

En la década de 1980, la crisis económica provocó un aumento en el número de compradores y coleccionistas dispuestos a intercambiar obras de arte tangibles. Esto trajo formas de arte tradicionales como la pintura, el dibujo y la escultura de nuevo a primer plano. Las artes escénicas perdieron importancia porque trataban temas incómodos y su forma más impactante se centró en la realidad de las obras de teatro.

Sin embargo, las artistas femeninas continuaron utilizando esta forma de arte recientemente reclamada como una forma de expresar su experiencia de opresión, feminidad y sexualidad.

La artista estadounidense Laurie Anderson es conocida por sus dramáticas representaciones multimedia sobre los problemas sociales de esta época. Una de sus representaciones de este período, Estados Unidos de América I-IV (1983), consistía en dibujos proyectados, textos, fotografías, películas y música. The Show fue grabado como un álbum de 5 LP y trató temas de transporte, política, dinero y amor.

 

Las artes escénicas de los 90

Como en el pasado, las artes escénicas florecieron nuevamente en la década de 1990 cuando los artistas comenzaron a abordar nuevos temas como la identidad queer, la crisis del SIDA y la inmigración. Los países occidentales comenzaron a celebrar el multiculturalismo, lo que hizo famosos a artistas como Guillermo Gómez-Peña y Tania Bruguera. El arte escénico latinoamericano se ha celebrado en bienales y concursos internacionales. Estos artistas han presentado performances en bienales internacionales relacionadas con temas como la opresión, la pobreza y la inmigración en México y Cuba.

Estos temas a menudo generaron controversia, y las obras de arte que trataban sobre la homosexualidad y el SIDA en particular estuvieron en el centro de las guerras culturales de la década de 1990.

Ejemplos de Arte de InterpretaciónHermann Nitsch actúa en su museo homónimo en 2009. 

Tim Miller, John Fleck, Karen Finley y Holly Hughes aprobaron el comité de revisión por pares para recibir fondos del National Endowment for the Arts. Su aplicación exitosa fue posteriormente rechazada después de que se hiciera público el tema de la sexualidad.

Esto provocó un alboroto en la comunidad de artistas y solidificó el arte de la performance como una forma de protesta.

Aunque comenzó como una protesta contra las instituciones artísticas, el arte de la actuación ahora es ampliamente aceptado por la mayoría de los museos, galerías, bienales, concursos y fundaciones. 

 

Los artistas de performance más conocidos

Los artistas de performance que practicaron en los años 50, 60 y 70 fueron pioneros en este medio que nunca antes se había utilizado con tanta seriedad. Había mucho por descubrir y explorar porque los ejemplos de artes escénicas eran pocos y distantes entre sí. Algunos de estos artistas siguen siendo muy apreciados en el mundo del arte. En esta sección, veremos a dos de estos diseñadores pioneros: Marina Abramović y Joseph Beuys.

 

José Beuys (1921 – 1986)

Fecha de nacimiento 12 de mayo de 1921
Fecha de muerte 23 de enero de 1986
País de origen Alemania
Asociado amovimientos rt Flujo
Género/Estilo Arte conceptualarte de performance
Medios utilizados Dibujo, pintura, escultura, arte de «acción» orientado al proceso y al tiempo, performance
Temas dominantes Personal, Psicología, Asuntos Sociales, Política, Realidad, Realidad y Ficción

Joseph Beuys, conocido por sus obras que a menudo involucran grasa animal y fieltro, creó obras que exploraban el límite (o la ausencia del mismo) entre el arte, los objetos cotidianos y la vida cotidiana. Fue un artista importante en el movimiento Fluxus en la década de 1960 y tuvo una gran influencia en el surgimiento y desarrollo de las artes escénicas.

Fue uno de los primeros artistas en alejarse de lo que el consumidor quería del arte para utilizar objetos encontrados y cotidianos en «happenings» experimentales. Estas performances de eventos se basaban en el tiempo, la acción y lo efímero.

Durante tres décadas (desde la década de 1950 hasta la de 1980), Beuys se interesó en explorar cómo el arte puede comenzar y expresarse en la esfera personal y aún tener algo que decir sobre los problemas sociales y políticos actuales. Esta idea inspiró sus enseñanzas y obras a tal punto que se convirtió para él en una filosofía de vida, es decir, el arte como una forma de vida y no solo como una profesión o un pasatiempo. Esta filosofía ha ido tan lejos como para argumentar que lo que se cree que es la realidad es más importante para los problemas sociales que cualquier definición más amplia de lo que es la realidad basada en normas y estándares tradicionales.

 

Artistas de performanceRetrato de Joseph Beuys (derecha) y Andy Warhol (izquierda) en Nápoles en abril de 1980; Mimmo Jodice y el Museo CODA

En un sorprendente ejemplo de una obra de arte de performance de Beuys titulada, Cómo explicar las imágenes de un conejo muerto (1965), se ve al artista sentado en una silla a través de la ventana de una galería. Su rostro estaba cubierto de miel y pan de oro, una placa de hierro unida a una bota y un trozo de fieltro a la otra bota. Sostenía un conejo muerto en su regazo y susurraba cosas a sus dibujos colgados en las paredes junto al cadáver del animal. De vez en cuando se levantaba y cruzaba el estrecho espacio, un paso resonando con el hierro y el otro amortiguado por el fieltro.

Esta pieza altamente simbólica se centró en la connotación cotidiana y la comprensión simbólica de los elementos. usó.

Por ejemplo, la miel simboliza la vida, el oro como riqueza, el conejo como muerte, el metal como conductor de energías invisibles y el sentido como protección. Al crear esta pieza de actuación, Beuys ha creado una estructura de actuación simbólica que seguirán otros artistas. Más tarde en la vida, el trabajo de Beuys se volvió más político y fundó muchas organizaciones políticas. Cayó gravemente enfermo y murió de insuficiencia cardíaca a la edad de 65 años.

Una pieza que comenzó para la exposición Documenta 7 en 1982 titulada 7000 Roble fue perseguido después de su vida por los partidarios de su trabajo. Beuys decidió plantar 7000 robles en la ciudad de Kassel, cada árbol acompañado de piedra basáltica. El proyecto duró cinco años y se llevó a cabo en otros países del mundo, comunicando el impacto y la presencia del artista tras su muerte.

 

Marina Abramovic (1946-presente)

Fecha de nacimiento 30 de noviembre de 1946
Fecha de muerte N / A
País de origen Yugoslavia
Pareja movimientos de arte arte de performance
Género/Estilo Arte Corporal, Arte de Resistencia, Arte Conceptual
Medios utilizados Actuación, instalación, participación del público
Temas dominantes El yo, la relación entre sujeto y objeto, los límites del cuerpo, la conciencia, la responsabilidad pública y la resistencia, la violencia, la política, la muerte y la vida

Marina Abramović ha practicado artes escénicas durante más de cuatro décadas. Utilizó su cuerpo como lugar de experimentación, expresión y polémica. El trabajo de Abramović es conocido por la experimentación que realiza a través de sus performances sobre el control que se tiene sobre el cuerpo.

A través de sus performances, que suelen ser largas meditaciones sobre este tema, intenta identificar y superar los límites del control sobre su cuerpo. En sus actuaciones, el público suele estar directamente involucrado.

Aquí explora la relación entre sujeto y objeto, ampliando la clasificación tradicional de las cosas en la historia del arte. Al convertirse en sujeto y medio de su trabajo, Abramović amplía la comprensión normal de la estética y cualquier obra de arte. Abramović debutó en su carrera con la popular serie de obras el ritmo (1973/74) y desde el principio conmocionó al mundo con piezas atrevidas, provocativas y transgresoras. Esta serie se creó después de que el artista serbio terminara sus estudios y comenzara a enseñar bellas artes en Serbia.

Antes de la primera función, Ritmo 10 (1973), serie el ritmo, El trabajo de Abramović utilizó principalmente el sonido como medio. Ritmo 10 (1973) marcó un cambio en su trabajo para utilizar la interpretación y, lo que es más importante, la reacción y la energía de la audiencia a su canto como un medio para explorar los límites del cuerpo y la conciencia. en la ópera Ritmo 10 (1973), usó 20 cuchillos para apuñalar rítmicamente los espacios entre sus dedos extendidos. Cada vez que apuñaló su mano durante el espectáculo, cambió su cuchillo.

 

Tipos de interpretación ArtePóster con Ulay (derecha) y Marina Abramović (izquierda) en el interior El otro colectivamente, una de sus actuaciones; Marina Abramović y el Museo CODA, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons

A mitad de la actuación, reprodujo el audio de la primera media hora de puñaladas por la espalda para recrear las acciones realizadas al ritmo del sonido que grabó. Reutilizó los mismos cuchillos y volvió a apuñalarse en los mismos lugares. Aquí cobra importancia la resistencia del público a verla autolesionarse y será luego la clave para la creación de nuevas obras.

Abramović también explora los límites de la conciencia, ya que a menudo entra en estados de meditación durante sus obras y toma drogas para empujar aún más los límites del cuerpo.

ritmo 5 (1974) fue una de esas obras en las que, tras encender virutas de madera, clavos y un corte de pelo en forma de estrella, se tumbó en la estrella ardiente y se desmayó por falta de oxígeno. Esta obra, que simboliza el ocultismo y el comunismo en Yugoslavia, fue interrumpida por espectadores que sacaron su cuerpo inconsciente del fuego mientras su ropa comenzaba a arder. El trabajo de Abramović también está asociado con el trabajo que creó. artista alemánFrank Uwe Laysiepen, también conocido como Ulay.

Los artistas fueron amantes y colaboradores desde 1975 hasta 1988 y juntos crearon actuaciones poderosas e inquietantes. Después de que se separan, el espectáculo termina. comprometido (1988) donde los dos artistas caminaron durante tres meses a ambos lados de la Gran Muralla China para encontrarse en el medio para despedirse, sin verse durante muchos años. Se reunieron en persona por primera vez desde su separación durante una canción en solitario titulada, el artista esta presente (2010).

 

El arte de la performance realmente es arte.Obra de Marina Abramović titulada ropa suciareproducido para la retrospectiva en Bolonia, Italia en 2018; Francesco Pierantoni de Bolonia, Italia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

Durante su exposición personal en el Museo de Arte Moderno, Abramović se sentó en una silla vacía, en la que se invitó a los espectadores a sentarse por un rato. Abramović cerró los ojos entre los participantes y los abrió cada vez que alguien se sentaba para mirarlos mientras estuvieran sentados.

Ulay se sentó frente a ella, y cuando Abramović abrió los ojos, comenzó a llorar y extendió la mano para tomar su mano, rompiendo sus reglas de actuación, lo que luego dijo que nunca había hecho antes o desde entonces.

Abramović se anuncia a sí misma como la «abuela del arte escénico», capturando con precisión la influencia y la contribución de esta artista al medio y movimiento escénico. Fue una de las primeras artistas en experimentar con la interpretación y el arte corporal y continúa enseñando y creando nuevos trabajos.

 

La performance ha supuesto uno de los mayores cambios en la historia del arte. Cuando el foco pasó del objeto de arte al cuerpo y la acción del artista, se abrieron las puertas al momento del arte contemporáneo al que hemos llegado hoy. Además de marcar un cambio para que los artistas se adhieran a los estrictos estándares de las instituciones artísticas, el auge de las artes escénicas también ha ido acompañado de un cambio financiero en el mercado del arte. Después de las guerras mundiales, el poder y el dinero cambiaron en el mundo y los artistas se las arreglaron solos. Estos cambios y sus resultados son evidentes en la idea contemporánea de que todo, realmente todo, puede ser arte. Sin límites claros en torno a lo que constituye una obra de arte, no hay forma de respaldar verdaderamente los estándares por los cuales las obras de arte se consideran exitosas y deseables. Hoy en día, un artista puede ser «descubierto» simplemente estando en el momento adecuado y en el lugar adecuado para atraer la atención de un inversor en arte. Ahora nos encontramos en un lugar completamente nuevo en la historia del arte, y el arte escénico nació cuando todo comenzó a cambiar.

 

 

 

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